STABAT MATER
Apeirono teatro spektaklis „Stabat Mater" (rež: Eglė Kazickaitė), pastatytas pagal 1907 metais švedų rašytojo, dramaturgo Augusto Stindbergo pjesę „Pelikanas“. Šiaurės ir rytų europos teatro klasikos dramaturginis kūrinys čia pateiktas pačia netikėčiausia, bet vizualiai tikslia ir labai įtaigia forma.
Paties A. Strindbergo pjesės to meto Švedijoje buvo vertinamos itin kritiškai, kaltinant rašytoją grubia kalba ir nepadoriais literatūriniais paveikslais. Paradoksalu, kad 2018 metais, demokratijos epogėjuje Apeirono teatro režisierė, statydama spektaklį „Stabat Mater“, visiškai išsižada darmaturgo tekstų. Motyvuodama savo pasirinkimą, režisierė cituoja A. Strindbergo sukurtos pjesės „Pelikanas“ veikėjos Dukros žodžius: „Mes labai daug kalbame, bet gali būti, jog tai darome tam, kad žodžiais užmaskuotume esmę, tiesą.“. Anot režisierės tiesa ir tikrumas yra ne žodžiuose. Ši frazė nejučia tampa spektaklio kertine ašimi, kuomet tekstų atsisakymą pakeičia metaforinė aktorių kūno kalba. Spektaklis, nevirtęs šokio spektakliu, tampa kruopščiai psichologizuotu, nebyliu veikėjų spekuliacijų lauku, kuriame santykių manipuliacijos reiškiasi kūnų pavidalų ir daiktinių formų pagalba kuriamais paveikslais. Sekvencijos „Stabat Mater“ fone pjesės pagrindinė veikėja Motina vyro rankomis paverčiama Milo Veneros skulptūros klonu, ikona. Siekiant moters laisvės apribojimo, kad vyro gyvenime ji galėtų tarnauti kaip Motinos funkcija -jai nukertamos rankos. Šimtų puodų, kaip pragaištingos archetipinės pasaulėvaizdos ir buities fone vyskta Moters ir jos šeimos tragedija: Moters prigimtis - būti Motina. Būti atsidavusia, pasiaukojančia, kenčiančia, vakarais tyliai verkiančia ir šluostančia ašarą į skarą dėl savo vaikų. Atiduoti visą save vyrui ir vaikams. Pradžioj širdį. Paskui - rankas. Jei prireikia - kojas. Galiausiai likti tik torsu. Bet būtinai gražiu. Moters prigimtis - nesigailėti ir negailėti nieko, ką atidavei šeimai. Moters prigimtis - nejusti alkio, tik vis maitinti alkstančius. Bet Ji nejuto tos prigimties. Jai trūko iš jos atimtų ir moteriškai prigimčiai atiduotų rankų. Todėl Ji jas tiesiog atsiėmė. Vertical Divider
|
Stabat Mater play by Theater Apeironas (director Eglė Kazickaitė) is based on 1907 August Strindberg’s play “The Pelican”. The classical Nordic and Eastern European theaters’ dramaturgical work here is presented by the most unexpected, but visually precise and highly compelling form.
The plays of Strindberg at that time in Sweden were critically appraised, accusing the writer of rough language and indecent literary paintings. Paradoxically, in 2018, the apogee of democracy, the director rejects all dramaturgical texts while making the play Stabat Mater. Relying on her choice, the director cites the words of the Daughter from the play Pelican: “We talk a lot, but it may be that we do this to mask the essence of truth” According to the director, truth and certainty are not in words. This phrase unintentionally becomes the cornerstone of the performance when text is replaced by metaphorical body language of the actors. The performance, which does not prove to be a dance performance, becomes a thoroughly psychologized, silent field of speculative actions of actors, in which the manipulation of relationships manifests itself through rendering the views of body shapes and real forms. The main character of the sequel Stabat Mater, the Mother by her husband is turned into the clone, icon of Milo Venus sculpture. In order to limit the freedom of a woman to serve a Mother’s function, her hands are cut off. The tragedy of the Woman and her family is shown in the background of hundreds of pots which represent the corrupted archetypal world view and domestication: Woman’s life goal is to be a Mother. To be devoted, self-sacrificing, suffering, weeping only when night falls and silently wiping tears for her children. To give it all for husband and children. First, the heart. Then – the hands. Finally, to be nothing but a torso. Most importantly, to be a beautiful torso. The woman's nature is not to regret or spare anything that you give to the family. A woman's nature is to never feel hunger but to feed the hungry. She, however, did not feel that nature. She missed the hands that were taken away from her. So she took them back. |
Vertical Divider
|
Režisierė | Director:
Eglė Kazickaitė Aktoriai | Actors: Greta Gudelytė, Ričardas Bartašius, Kristina Švenčionytė, Valerijus Kazlauskas Kostiumai | Costumes: Erika Jankauskaitė ir Polina Nimrea Muzika | Music: Giovanni Battista Pergolesi Pjesė | Play: August Strindberg "Pelikan" Premjera | Premiere: 2018|10|13 |
Kritikai:
"Nors nebuvo ištartas nei vienas žodis, auditorija liko tarytum užkerėta viso pasirodymo metu. Na, o mano asmeninis nusistatymas prieš bežodės formos spektaklius visiškai ištirpo bežiūrint ir besigėrint, kaip puikiai aktoriai pasakoja kiekvienas vis kitą istoriją pasitelkdami vien puikią choreografiją ir judesius. Šis pasirodymas yra visiškai nebūdingas tradiciniam Lietuvos teatrui. Jis labai šiuolaikiškas ir eksperimentinis, todėl greičiausiai labiau patiktų jaunajai kartai, kuriai pats pasakojimas nėra toks svarbus." Jerry Adesewo | Publikuota 2019 m. birželio 16 d. www.dailytrust.com "Naujas žvilgsnis į klasikinę Strindbergo pjesę „Pelikanas“, kuri, savo ruožtu, yra senovės graikų Atreidų mito „kamerinė adaptacija“ su dominuojančiu monumentaliu motinišku „superego“ (Klitaimnestra), kuris pradangina „tėvą“ ir pasmerkia savo vaikus agonijai bei mirčiai iš materialinio ir emocinio bado. Spektaklis skirtas teatrališkai išprususiai auditorijai, turinčiai raktą į jos suvokimą, bet kartu ir kiekvienai jautriai, laisvai nuo stereotipų auditorijai. Pradedant viena pačios pjesės fraze, režisierė drąsiai pakeičia tekstą kūno kalba, kuria kalba puiki jaunų aktorių komanda, atliekanti šiuolaikinį šokio veiksmą metaforiškame vidiniame šeimos kovos dėl valdžios lauke, skambant emblematiškai Pergolesi muzikai. Tema amžina – neišvengiamas archajiškos moteriškos dovanojančios sielos virtimas demonu, kai iš jos jėga atima rankas, kurios buvo skirtos tik glostyti ir duoti, ir įkalina ją nebūdingame, vyriškame, svetimame kūne-vaidmenyje. Dabar ji grįžta kaip bekūnis, šiuolaikinis androginas, „ateivis“ keršytojas, kaip „medūza“ iš titano ir nikelio, paverčianti neveikliąja materija visus, su kuriais susiduria. Puikus, sintetiškas darbas, kurį mielai savo festivaliuose žiūrėtume ir mes." Leandros Polenakis | Publikuota 2019m. birželio 17d. www.avgi.gr "Pastatymas sukurtas kaip judesių spektaklis, feminizmo diskurse persipinant šiuolaikinio šokio ir fizinio teatro estetikai. Remiantis Gerdos tekstu: „Mes daug kalbame, o galbūt iš tiesų mes taip slepiame teisybę“, režisierė pasirenka priešpastatyti baroko harmoningą muzikos kalbą Strindbergo aštrumui, sopulingosios Dievo Motinos metaforą ir pjesėje portretuotus šeimos narių deformuotus santykius, aktorių kūnus padarant pagrindine išraiškos priemone ir įrankiu. Gretos Gudelytės pavaizduota moteris-pelikanas, vilkinti pilką triko, kuriai vėliau vyriškis per prievartą užvelka juodą suknelę, pilkai nupudruotu veidu ir plaukais prologe yra graži ir kartu gąsdinanti – subtiliai atidirbta judesių partitūra, kurioje dominuoja nerimas ir tuo pačiu metu pavydėtina Čaikovskio „Gulbės“ plastika, kuri sąmoningai fragmentuota, kūniškai iliustruojant motinos salaužytą suvokimą. Aktoriai-šokėjai iškalbingai nebyliai suvaidina deformuoto šeimos židinio metaforą, iš lentos ir pristatomų kojų padarydami ir išardydami stalą, chaotiškai svaidant chromuotus įvairaus dydžio metalinius dubenis, kurie yra pagrindinis spektaklio rekvizitas – Strindbergo bado temos metafora. Triukšmas, dubenims krentant ant grindų, trukdančiai įsikišantis į Pergolezio maudžiančią harmoniją ir puikias ritmo struktūras, yra nepatogiai kliudantis ir neišvengiamas, taip pat kaip fizinio ir emocinio smurto buvimas Strindbergo herojų gyvenime." Lauma Mellēna-Bartkeviča, Vēsma Lēvalde | Publikuota 2019m. gegužės 25d. www.kroders.lv Vertical Divider
|
Critics:
"Without a single word spoken, it held the audience spellbound for its duration. My personal ‘dislike’ for non-verbal performances melted away, as I watched the brilliance with which the actors told their stories with well-choreographed movements. This performance is a departure from the traditional Lithuanian theatre. It is experimental and contemporary and would appeal more to the younger generation, who care less about the narratives." Jerry Adesewo | Published 16 June, 2019, www.dailytrust.com "A new look at Strindberg's classic play Pelican, which is, in turn, a "camera adaptation" of the ancient Greek myth of the raids, with the dominant monumental maternal "superego" (Klitaimnestra), which awakens its "father" and condemns his children to agony and death. emotional starvation. The performance is aimed at a theatrically sophisticated audience that holds the key to its perception, but also to every sensitive, stereotypical audience. Beginning with a single phrase from the play, the director boldly replaces the text with body language spoken by a brilliant team of young actors performing a contemporary dance act in the metaphorical inner family struggle for power with the emblematic Pergolesi music. The theme is eternal - the inevitable turning of the archaic female giving soul into a demon when she is forcibly stripped of her hands intended only for stroking and giving and imprisoned in an uncharacteristic, masculine, foreign body-role. She is now returning as a bodyless, modern androgynous, "alien" avenger, as a "jellyfish" of titanium and nickel, turning inactive all she encounters. Great, synthetic work that we would love to see at our festivals as well." Leandros Polenakis | Published 17 June, 2019, www.avgi.gr "The production is created as a movement performance, intertwining the aesthetics of contemporary dance and physical theater with the discourse of feminism. Based on Gerda's text, "We talk a lot, or maybe we are hiding the truth," the director chooses to contrast Baroque harmonious music with Strindberg's sharpness, the metaphor of Our Lady of Soul and the play's portrayed deformed relationships. Greta Gudelytė's portrayal of a female pelican wearing a gray sweatshirt that a man later forcibly wears a black dress with a gray-toothed face and hair in the prologue is a beautiful and intimidating - subtly crafted movement score dominated by anxiety and enviable Tchaikovsky's Gul which is deliberately fragmented, bodily illustrating the mother's broken perception. The actor-dancers eloquently silently play the metaphor of a deformed family fireplace by making and breaking the table and presented legs, chaotically chroming metal bowls of various sizes, a key metaphor for Strindberg's hunger theme. The noise of the bowls falling on the floor, interfering with Pergolez's dormant harmony and great rhythmic structures, is uncomfortably disturbing and inevitable, as is the presence of physical and emotional violence in the lives of Strindberg's heroes." Lauma Mellēna-Bartkeviča, Vēsma Lēvalde | Published 25 May, 2019, www.kroders.lv |